MÚSICA: SILVIA GERS

PARA QUE LA SANGRE QUE CORRE POR LAS VENAS

Silvia Gers es compositora, guitarrista, productora musical, escritora, licenciada en folclore, avezada en culturas tradicionales, egresada de la carrera de educación musical y mujer sumamente comprometida con la realidad social. En charla con Baldosas Flojas nos contó sobre su disco editado recientemente llamado Aires de Libertad,  adónde apuntan las letras de sus temas, sus influencias y los shows acústicos que llevaran a cabo los sábados de Julio en el teatro La Clac, Avenida de Mayo 1156.

Sin lugar a dudas ella nació con la música, que los ritmos la parieron y ella fue pariendo otros ritmos, que su voz y lucha es para dar esperanza a un mundo que parece adverso para que la gente sea feliz.

Silvia Gers comenzó su carrera a los 6 años de edad respondiendo a tradiciones familiares A sus 12 años ya era sub-directora de la rondalla del conjunto canario.  Cinco años después, recorría los escenarios en forma profesional. Formó  parte de la primera banda de heavy rock integrada únicamente por mujeres “Las Brujas”.También fue la primera guitarrista de Edelmiro Molinari (Color Humano) y parte importante  e integrante de la banda de Alejandro Medina Banda (ex Manal). En el año 1999 es Invitada especial como guitarrista de YABOR (cantautor uruguayo). Además de su actividad comprometida en los encuentros nacionales de mujer y los pueblos originarios.

En charla con Baldosas Flojas nos contó sobre su nuevo trabajo discográfico llamado Aires de Libertad, sus referentes, el público, la tecnología y la función del artista.

¿Cómo definirías a Silvia Gers?

Difícil definirse a uno mismo, pero te diría que Silvia Gers es una mujer que ama lo que hace, comprometida con la vida, obsesiva con la prolijidad del trabajo, estricta en esas cuestiones y sobretodo soñadora y muy honesta con su profesión. La música es la sangre que corre por sus venas.

¿De qué se trata Aires de Libertad?

Aires, es un disco netamente esperanzador, es un despojarse de todo y desnudarse ante el mundo, expresando los sentimientos más puros frente al otro, tomando con humor a los que siempre ven las cosas mal, como sucede con la cumbia El Amargao, o como en Aires de Libertad, donde los sueños y nuestra fuerza interior son la llave única de la libertad pero también poniendo de manifiesto el dolor que siento frente al desastre que provocamos los humanos con el medio ambiente como en la vida la Naturaleza Muerta.

¿Adónde apuntan las letras de las canciones y en que se inspiras a la hora de componerlas?

Las letras son una manifestación espontánea de mis sentimientos respecto a la mirada que tengo del mundo. Para mí las letras son fundamentales, tienen que "decir" que "contar" y me inspira precisamente el mundo que me rodea.

¿Cuáles fueron tus influencias y cuáles son tus actuales?

Mis influencias, primero mis padres, ya que ellos eran músicos y me inicié con la música tradicional de las Islas Canarias, luego la música brasilera, a través de un amigo guitarrista Mario Guillen, luego el blues, el rock, y por último entro el folklore latinoamericano.

¿Qué artistas te marcaron?

Maria Bethania, Ellis Regina, Janis Joplin, Paco de Lucía, Steve Ray Vaughan, Led Zeppelin. el empaste que tenían las voces femeninas de ABBA, Mercedes Sosa, Juan Falú. 

¿Cómo fue la fusión de estilos y la aceptación del público?

El público que asiste a mis conciertos es muy amplio, tanto en edades como en gustos musicales, y recibe muy bien esta fusión de estilos. Digamos que siempre es lo que más aprecian de mis vivos el no aburrirse nunca.

¿Se piensa en el espectador a la hora de pensar un show?

Siempre, sobre todo a la hora de armar la lista de temas. Uno ya sabe con qué canción van a estallar, o que tema van a pedir. 

¿Cómo van a ser los shows acústicos en el teatro La Clac, Avenida de Mayo 1156, todos los sábados de Julio a las 21hs?

Los shows de La Clac, van a ser muy especiales y variados. En cada fecha habrá un formato diferente y un invitado especial. Por ejemplo el 4, será violín, bajo, percusión y guitarra. Y el artista invitado: Gabriel Ogando.

¿En qué beneficia y perjudica la tecnología en el arte?

Beneficia que algunas cosas, como pre producciones las podes ir "pensando" y armando en tu casa, si tenés una compu y un programa de grabación. Eso es muy útil a la hora de grabar en un estudio profesional. Por otra parte, hay artistas que prefieren armarse su home studio, y allí plasmar todo su disco.

Teniendo en cuenta tu trayectoria y compromiso social, ¿Cómo ves hoy la aplicación de los derechos de las mujeres y de los pueblos originarios? ¿En qué puede ayudar la sociedad para hacer cumplir esos derechos?

Desde hace algunos años se han ampliado los derechos de la mujer, pero falta mucho en especial con la problemática  de la violencia hacia mujeres, niñas y niños.

Se necesitan albergues para que las víctimas tengan un lugar donde hospedarse, que los organismos de seguridad, como la policía, no pongan en duda la veracidad de la víctima, necesitan más formación para poder contener a las víctimas, tanto el personal de las comisarías como en los Hospitales. Lo mismo con la legalización del aborto, nunca se ha realizado un debate serio respecto a esto.

Lo mismo con los pueblos originarios, algunas cosas han ayudado mucho, como el otorgamiento en algunas comunidades, de escrituras de sus tierras, pero falta por hacer. No puede ser que primero esté la explotación del suelo, a costa de la amputación de árboles lo que trae aparejado el destierro de muchas comunidades para el enriquecimiento de unos pocos. Se debe garantizar una educación intercultural donde se respeten los valores de cada persona compartiendo y aprendiendo de su propia cultura.

La sociedad que puede hacer? tomar conciencia, participar, no mirar para otro lado, y ser menos egoístas e individualistas.

El artista es comprometido por naturaleza con lo que sucede o puede existir solamente para entretener

El verdadero artista siempre es una esponja de lo que sucede a su alrededor, y eso lo moviliza a la hora de componer. Pero es cierto que también puede sentir que la gente necesita entretenerse y no necesariamente reflexionar a través de una canción. ¿Quién soy yo para juzgar la obra de un colega o decir que es ser un verdadero artista?. Solo intento ser honesta conmigo mismo y con mi público.

SILVIA GERS SE PRESENTARA LOS  SÁBADOS 4, 11, 18 Y 25 DE JULIO A LAS 21.00 HORAS, EN UN CICLO DE ACÚSTICOS EN EL TEATRO “LA CLAC” AV. DE MAYO 1156.  CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES

MÚSICA: AURA

EMOCIONES QUE ATRAVIESAN EL PECHO

Aura está por editar su tercer disco, pero antes presentaran un simple interactivo llamado Timo con  dos temas, sus integrantes  conversaron con Baldosas Flojas y nos definieron a la banda, lo que les dejó la placa anterior y en que se inspiran a la hora de componer las letras de las canciones.

Entre la angustia y la euforia, entre la lucha y la tranquilidad, anda Aura que está por editar su tercer trabajo discográfico pero antes muestran dos temas que estarán en un simple llamado Timo  y lo presentaran el 4 de Julio en Niceto Lado B, Humboltd 1358, a las 21hs. Sus integrantes dialogaron con Baldosas Flojas sobre el nuevo material, el público, la tecnología y en donde les gustaría tocar.

¿Cómo definirían a Aura hoy? 

Aura es una banda de rock que viene hace mucho tiempo haciendo música nueva y está a punto de sacar su tercer disco.

¿De qué se trata Timo?

A fines del año pasado, Roki Romero nos invitó a grabar a su Riding a Wave Estudio y elegimos dos canciones nuevas que estaban estrechamente relacionadas en su esencia. Y ahí salió la idea de lanzar un simple de dos canciones antes de presentar el disco nuevo. 

Sentimos la contracción de angustia de Inmóvil y la expansión eufórica de Fitz Roy en el pecho. Ambas canciones forman Timo. Y esta dualidad antagónica, generada por una ruptura, recorre un camino existencial en el que reivindicamos, como salida a todo, el valor de estar vivo.

Si tuvieran que comparar a Timo con un jugador de fútbol, una comida, un lugar, un color, una película, un libro, un prócer, etc. ¿Con qué lo harían?

Timo son emociones que atraviesan el pecho.

Ahora que empiezan a despedir Libertad Animal ¿Qué les dejó y cuánto los marco?

Libertad animal fue un disco de quiebre. Definimos la formación de la banda y reforzamos una identidad generada a través de mucho trabajo en la producción y muchos shows para defender el disco. Esos shows nos acercaron a muchas personas que hoy en día están ligados a los proyectos actuales de la banda. 

¿Cuáles son los pasos para llegar al tercer disco?

Nos propusimos hacer temas nuevos todo el tiempo para que lo creativo en el grupo sea constante. Y poniendo en marcha ese motor se hizo todo más fácil. Después, fue fundamental conocer a la gente de MCL y Estudio Humano, como también a Luciano Villacé, Hernán Rupolo y Luciano Lucerna, que son excelentes personas y grandes profesionales que mejoraron las canciones.  

¿En que se basan a la hora de componer las letras de los temas?

Primero sale la música y luego aparecen las melodías de voz inspiradas por ese clima sonoro. Exploramos la canción, la vivimos, incluso físicamente, para sentir cuáles son las sensaciones que nos despierta. Metidos en ese mambo, escribimos.  

¿Se piensa en el público a la hora de armar un show?

Sí, desde el primer momento. 

¿Qué ventajas y desventajas tiene la tecnología?

Las ventajas son la independencia y el acceso a información. La tecnología es una gran herramienta, siempre y cuando haya alguien con ideas originales para aprovecharla. 

¿En dónde y con quién les gustaría tocar?

Esperamos que el próximo disco nos lleve a tocar por muchos lugares y a conocer muchas bandas del país y del mundo.

¿Creen que a través de un tema musical se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida?

Sí. Por eso componemos canciones.

AURA PRESENTARÁ TIMO EL SÁBADO 4 DE JULIO A LAS 21HS EN NICETO LADO B, HUMBOLTD 1358. CAP FED.

TEATRO: LOS POETAS MOLESTOS

LUGAR PARA RECONOCERSE

Los Poetas Molestos es una performance teatral poética que saldrá a escena los miércoles de Julio a las 21hs en el teatro Machado, Pasaje Antonio Machado 617, su directora y actriz, Fabiana Rey, dialogó con Baldosas Flojas y nos contó sobre de que se trata la propuesta, como se acercó al teatro y la definición de poesía.

 Diferentes poéticas que interactúan, queriendo irrumpir en cierta manera a una estética instalada en el decir Poético y a sus falsas interpretaciones. Se inspiran, se interpelan, acaecen en las inmensidades oscuras de sus propias almas. Esa es lo que quiere transmitir la obra Los Poetas Molestos que saldrá a escena los miércoles de Julio a las 21hs en el teatro Machado, Pasaje Antonio Machado 617, Parque Centenario, su directora y actriz, Fabiana Rey, dialogó con Baldosas Flojas sobre cómo se le ocurrió el guión de la obra, la forma de romper las estructuras del espectador  y  lo que puede generar la poesía.

¿Cómo y por qué llegaste al teatro?

Luego de pasar por varios intentos de carreras que consideraba afines cómo Bioquímica, publicidad, decidí casi azarosamente tomar un taller de teatro con Adrián Porcel de Peralta y nunca más me fui…. Es como encontrar un lugar en tu mundo interno. En donde se genera en uno, una certeza y una fuerte pulsión de continuar esa experiencia, y necesitarla tanto como respirar.

¿De qué se trata Los Poetas Molestos?

Es una Obra performática, inspirada en la esencia de la poesía maldita. Diferentes poéticas interactúan queriendo irrumpir en cierta manera a una estética instalada en el decir poético y sus falsas interpretaciones.

¿Cómo se le ocurrió el guión de la obra?

A partir de un texto que tenía archivado y que venía mutando a través de los años sin una forma de montaje definido, volví a tomarlo y en esa nueva intervención, surgió la necesidad de explorarlo llevándolo a escena.

Su título primario era FLORAL Poesía enmarañada.

Experimentamos el texto en ensayos, con diferentes sonoridades y acciones que planteaba y ahí, iba tomando cuerpo.

Un cuerpo que nunca será cerrado, sino abierto a nuevas posibilidades de exploración y esto se dará cada vez que salgamos a escena.

¿Hay forma de definir y explicar lo que quiere decir la poesía?

La poesía puede definirse de varias maneras, empezando que es un género literario y que expresa o deja manifestar la belleza o un sentimiento estético a través de la palabra.

Para mí es un lugar donde puedo encontrarme dónde me reconozco.

 Lo metafórico, la sucesión infinita de imágenes me dan libertad de acción para realizar el montaje. Es cómo una consecuencia natural.

¿El público tiene que romper cierto prejuicio al ver la obra? 

Simplemente estar abierto a experimentar algo que no está totalmente definido ni cerrado, sino que es a mí intención, abrir desde lo sonoro, lo textual, lo visual y la relación con los objetos escénicos una nueva percepción del texto poético.

En cuanto a estructura de inicio, desenlace, trama y final.

¿Se piensa en el espectador a la hora de la puesta en escena?

Sí, como otro elemento más del universo que conforma el montaje, como la sonoridad, la imagen, el texto, la acción y las interacciones entre esos elemento. Se tiene un tipo de espectador, funcional al sistema al cual se decide abordar. Un espectador imaginario perceptivo.

¿Qué ventajas y desventajas tiene ser directora y actriz a la vez?

En forma directa o indirectamente, vengo realizando en el tiempo, estos roles.

Lo tomo como parte de mi trabajo y no me detengo demasiado en pensar sus ventajas o desventajas, simplemente trato de centrar y trabajar, en todas las partes ya mencionadas para que sean  conceptualmente compatibles.

Si tuviera que comparar a la obra con un jugador de fútbol, una comida, un lugar, un color, un libro, un momento, etc. ¿Con qué lo haría?

Siento que no podría compararlo con nada.

Sería como etiquetar o fijar una idea, y eso contradice todo lo planteado anteriormente.

LOS POETAS MOLESTOS SE PUEDE VER A PARTIR DEL 1 DE JULIO TODOS LOS MIERCOLES A LAS 21HS EN EL TEATRO MACHADO, PASAJE  ANTONIO MACHADO 617, PARQUE CENTENARIO, CABALLLITO

MÚSICA: BOGADO Y LOS VENTICALORES

HABLANDO DE LO QUE LES PASA

Bogado y los Venticalores, banda que fusiona el folk, el reggae, el indie y demás estilos está presentando su segundo disco que se llama Respiro, su cantante , Juan Manuel Bogado dialogó con Baldosas Flojas sobre sus influencias, la forma de componer las letras, el público y la tecnología.

 

Mezclar, mostrar que cuando se quiere es posible, transmitir lo que se les ocurre y unir la música, la poesía y la pintura en sus shows en vivo es lo que propone la banda Bogado y los Venticalores que están presentando su segundo disco que se llama Respiro, su cantante, guitarrista y tecladista, Juan Manuel Bogado, dialogó con Baldosas Flojas y nos contó lo heterogéneo de sus gustos musicales, cómo planean los shows y lo que puede cambiar una canción.

¿Cómo definirían a Bogado y los Venticalores?

Podríamos definirnos como una banda de música que hace canciones de rock nacional con un nombre rebuscado.

 ¿Cuáles fueron sus influencias y cuáles las actuales?

La verdad es que el grupo es muy heterogéneo en sus gustos musicales. Por supuesto, hay una gran influencia de todos los grupos y solistas que componen el catálogo del Rock Nacional pero también escuchamos desde Piazzolla a Chick Corea, desde Pink Floyd a The Strokes, etc. Nos gusta la música en general y fusionar los gustos de todos en las canciones, no se planea, sale espontáneamente por lo que cada uno vivió y escuchó en su vida. Además compartimos en los últimos años con un montón de músicos, que tal vez no tengan ese nivel de reconocimiento popular todavía, pero hacen cosas hermosas y por supuesto, esas que te gustan, te influencian de algún modo.

 ¿De qué se trata Respiro?

RESPIRO no es un disco conceptual, sino más bien una compilación de canciones que hicimos en el último año. Es un disco que contiene 10 tracks cuyo principal leit motiv ronda en situaciones de desamor, conflicto, noche y juego de palabras.

 ¿Qué diferencias y similitudes tiene con el anterior, Parte del Alma?

Suelo definir a RESPIRO como el opuesto complementario del primer disco. Parte del Alma tenía el 70% de las canciones acústicas, sin baterías ni guitarras eléctricas, es un disco bastante íntimo y todas las canciones fueron producidas, arregladas y compuestas por mí. RESPIRO es un disco que no tiene canciones acústicas, donde predominan las guitarras eléctricas y fundamentalmente es un disco concebido en banda, todos juntos maduramos las canciones en shows y salas de ensayo, lo que le aporta una sonoridad más rockera y muestra un equipo más consolidado, que se entiende y se conoce mejor. Al mismo tiempo, Parte del Alma habla sobre todo de cuestiones referidas al Amor, y Respiro… todo lo contrario, aunque cierta esencia se mantiene, cierto optimismo romántico.

Si tuvieran que comparar Respiro con un jugador de fútbol, una comida, un lugar, un color, un momento, un libro, una película, etc. ¿Con que lo harían?

Creo que lo podríamos relacionar o comparar con un momento. Ese momento en el cual uno se queda sin energías, cansado de tanto hacer, de tanto dar… y necesita tomarse un respiro, descansar, reponer energías y replantearse un poco todo. Con lo cual, podría compararlo con ese momento en el cual uno está nadando y sale a la superficie a tomar aire para volver a sumergirse y seguir nadando.

 ¿En qué piensan o se inspiran a la hora de componer las letras de los temas?

Creo que el principal recurso a la hora de hacer las letras es lo que nos pasa. Me gustan los juegos de palabras y le doy mucha importancia a los textos y a las melodías, siempre estoy hablando de cosas que nos pasan… o que puntualmente me pasan… difícilmente haya una canción nuestra que cuente una historia… en formato tipo novela, cuento… con personajes inventados, etc. No necesariamente son autorreferencial pero si tocan situaciones que he vivido y por alguna razón, me han marcado o llamado la atención. Luego la inspiración… es algo que aparece a veces… y hace más simple todo.

 ¿Se piensa en el público a la hora de armar un show?

Si. Pensamos en cómo coordinar la lista de temas, las proyecciones, las intervenciones de poesía y la pintura en vivo, del modo que nos parece más conveniente para hacer una noche inolvidable para el público que nos acompaña. Sobre todo en el último año, en donde le hemos dado prioridad a la calidad de los shows, más que a la cantidad de shows. Buscamos buen sonido, lugares amplios, cómodos, tocamos con bandas amigas, y firmamos contratos y cerramos shows, solamente si nos parece justo. Tratamos de dar lo mejor que podemos dar, en forma independiente.  

¿En qué ayuda y en que perjudica la tecnología a la música?

No tenemos una relación de amor ni de odio con la tecnología. Creo que tenemos una relación por conveniencia, cuando nos conviene somos amantes… cuando podemos prescindir de ella, prescindimos. Me encantaría preguntarle a Beethoven… después de unos meses con las tecnologías actuales… qué opina!!!!

 ¿Adónde y con quien les gustaría tocar?

Con quién calculo que nos daría lo mismo… dónde?? En algún hermoso lugar del mundo en donde se fusione nuestra música con los cuatro elementos. Que las fogatas nos den calor, que el agua se escuche de fondo, que el viento susurre y la tierra sea un paraíso… y haya mucha pero mucha gente.

 Creen que a través de un tema musical se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida

Creemos que una canción… o mejor dicho la música… puede (casi) cambiar al mundo.

BOGADO Y LOS VENTICALORES PRESENTAN SU SEGUNDO DISCO RESPIRO EL SABADO 4 DE JULIO EN EL CLUB CULTURAL MATIENZO, PRINGLES 1249, A LAS 21HS.

TEATRO: ESPERANZA DESUBICADA

VIAJES QUE DESENCAJAN

La obra Esperanza Desubicada que sale a escena los sábados a las 20:30hs en  La Lunares Teatro, Humahuaca 4027, cuenta la historia de una viajera en busca de experiencias que le cambiaran su vida y ya nunca volverá a ser lo que era. Su actriz Maru Dorrego dialogó con Baldosas Flojas y nos contó cómo se le ocurrió el guión, el sentir de no pertenecer a ningún lugar y la función del teatro.

Esperanza está desubicada cuando viaja, en las calles, en su propia casa, en el trabajo, en la oficina de inmigración. Está desubicada hasta cuando sueña. Se desubica cuando habla con la gente, cuando cuenta historias y cuando la abandona el amor…

Un desubicado se desorienta y se pierde en los intentos; no encuentra su lugar por lo tanto no pertenece: a veces porque no quiere, otras porque no puede y a veces porque no lo dejan.

De estos temas profundiza la obra Esperanza Desubicada que sale a escena los sábados a las 20:30hs en La Lunares teatro, Huamhuaca 4027, Maru Dorrego, su actriz, dialogó con Baldosas Flojas sobre cómo surgió el guión, la sensación de libertad a la hora de viajar y cómo se unen los desubicados.

 ¿Cómo se le ocurrió y llegó a Esperanza Desubicada?

No se me ocurrió en un momento concreto. es un resultado de ocho años de vida en otro país, durante esos años fui escribiendo cosas que se transformaron en un espectáculo.

Cuando uno viaja siente la sensación de libertad ¿ Se puede mantener en el tiempo?

Si hay que hacer mucho esfuerzo para mantenerla en el tiempo, al menos en mi caso.

¿Es  uno el que no encaja o esta desubicado o es la sociedad que está encerrada en su mundo?

Me parece que son cosas distintas. No me parece que sea una u otra cosa. A veces uno no encaja porque se siente desubicado más allá de la sociedad. No es porque una persona viaje a otro lugar se sienta desubicada porque el otro no le abre su sociedad. A mí me abrieron las puertas, y no siempre me sentí desubicada, según el momento.

¿No encontrar el lugar es no pertenecer?

No sé. Yo vivo en mi país hoy por hoy y no necesariamente siempre encuentro un lugar. Sin embargo pertenezco a este país. A veces uno no encuentra un lugar en su propia familia y pertenece. Uno busca las maneras de pertenecer teniendo o no teniendo lugar.

En este sistema aquel que sale de lo establecido es aislado o mal visto ¿Hay forma de unir a los desubicados?

Yo creo que los desubicados nos unimos indefectiblemente. Nos terminamos encontrando. No me parece que haya que unirlos, nos unimos solos.

¿Adónde y para quienes sería la función ideal Esperanza Desubicada?

Para mí la función ideal es para toda aquella gente que dejó un lugar y volvió a su lugar. En realidad tal vez la función ideal sería para inmigrantes, para excluidos, para exiliados, para desterrados, para gente que se va de un lugar por cuestiones políticas también. Les toca de manera especial a la gente que no está en su propio lugar. Me doy cuenta que disfruta la función gente muy diversa. Una señora vino a verla y me dijo que le llamó mucho la atención y lo sintió cercano. Ella no había viajado así... como esperanza. Se mudó de barrio y siente que el nuevo lugar no es "su lugar". Los movimientos también están en las pequeñas cosas. Esperanza desubicada cruza un charco, esta señora tal vez cruzó avenidas, y sin embargo le pegó.

Si tuvieran que comparar la obra con una comida, un jugador de fútbol, una 

canción, un lugar, un color, una película, un libro, etc. ¿Con qué lo haría?

Un libro sería el Libro de los Abrazos de Eduardo Galeano, una pelicula podría ser Amelie, canciones varias, todas las que me inspiraron a hacer la obra: tierra con letra de García Lorca con música de Marta Gomez y "La Maleta" de Ana Prada, "Mariposa Monarca" de Pedro Guerra, "Clandestino" de Manu Chao, "Que te Den" de Amparanoia y "Dicen que viajando se fortalece el corazón" de Lito Nebia en versión de Rubén Rada y un poema, "Itaca" de Kavafis, definitivamente

¿Cree que a través del teatro se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida?

Sí creo que a través del teatro se puede generar conciencia, se pueden mostrar otras cosas, otras formas de vida, reflexión, empatía, se puede tocar el corazón del otro, incomodarlo. A mí me gusta la posibilidad de incomodar al otro a través del teatro, mostrarle otra cara. No todo el mundo que va al teatro es "de teatro" y la idea es que eso suceda, si no quedamos en un gueto teatral. Es lindo cuando uno ve cuando viene gente que no es "de teatro" y no sabe si reír o llorar.

MANDANOS UN MAIL A baldosasflojas@06yahoo.com.ar Y GANATE DOS ENTRADAS PARA VER ESPERANZA DESUBICADA LOS SÁBADOS A LAS 20:30HS EN LA LUNARES TEATRO, HUMAHUACA 4027

MÚSICA: OLVIDÉ SAN TELMO

TRANQUILOS EN UNA PLAZA, ECLÉCTICOS Y EN BICICLETAS

Olvidé San Telmo está presentando su disco ¿Donde Vas a Estar?, Ivan Deiana, charango de la banda, dialogó con Baldosas Flojas sobre la placa, la fusión de estilos, sus influencias y la inspiración a la hora de componer las letras.

La tierra es la que canta, la que marca los ritmos de Olvidé San Telmo, banda que fusiona jazz, folcklore, melódico,  con letras que dejan en claro la sensación de libertad. Ivan Deiana, charango de Olvidé San Telmo dialogó con Baldosas Flojas sobre el disco recién editado llamado Donde Vas a Estar, la mezcla de estilos, la tecnología y lo que puede generar una canción

 ¿Cómo definirían a Olvidé San Telmo?

Olvidé San Telmo fue catalogada como World Music. Lo único que pudimos sacar en limpio de este género es que somos eclécticos y difíciles de catalogar. Esto viene a raíz de que somos una banda que tiene un charango y un ronroco que se mueven desde los sonidos típicos del charango hasta el jazz, un baterista que es casi imposible compararlo con otro, con un sonido distinto y un cantante con una voz extensa y melódica.

Nos gusta pensar que Olvidé San Telmo es esa Buenos Aires tranquila, de bicicletas y plazas que está detrás del caos que la envuelve.  

 ¿De qué se trata Donde vas a estar?

Hay una frase en la letra de la canción que le pone nombre al disco que dice:“¿dónde vas a estar cuando el destino se te venga encima?”

Creo que eso define claramente de que se trata el disco. El disco entero gira alrededor de esa pregunta. Y encuentra respuestas a lo largo del correr de las  canciones.

 ¿Cuáles son sus influencias?

Luis (voz), Matías (batería) y yo estudiamos mucho jazz en nuestras carreras y Ángeles(Ronroco) estudió mucho folclore. Eso se ve reflejado en alguna medida en las canciones.

Creo que partir de la base y la idea de salirse de las tradiciones típicas de los instrumentos que tocamos puede llamarse influencia de alguna manera.

 ¿Adónde y en que se inspiran a la hora de componer las letras de los temas?

 Las preguntas: por qué, para qué y cómo, son constantes en todos los aspectos de nuestras vidas. Si uno se está haciendo esas preguntas todo el tiempo frente a las cosas que le pasan definitivamente se van a generar letras.

“Puente” por ejemplo, habla de Carlita Branchini una gran saxofonista y clarinetista,  amiga y compañera que ya no está más con nosotros. Preguntarme para que y por qué ella fue lo que fue, generó esa canción que tanto me mueve cada vez que la toco en vivo.

 Si tuvieran que comparar Donde vas a estar con un jugador de fútbol, una comida, un lugar, un color, un libro, una película, un momento, etc. ¿ Con que lo harían?

Amelie tomándose un mate mientras anda en bici.

 ¿En qué ayuda y en que perjudica la tecnología a la música?

La música va a ser siempre la forma que tenemos los seres vivos para expresarnos. Es importante que se sepa que la tecnología es una herramienta más para transmitir mejor un mensaje. Si la sabemos utilizar, el mensaje será aún mejor.

 ¿Se piensa en el espectador a la hora de armar un show?

Si, como decía antes, se trata de transmitir un mensaje, queremos que el mensaje llegue y se entienda. Cada show en cada lugar es una forma diferente de transmitir un mensaje.

Un disco terminado es algo que le llega al espectador y es lo que es. Un show es ese disco y mucho mas, porque hay un intercambio, hay una respiración y una voz adelante del escenario y eso es importante.

 ¿En dónde y con quién les gustaría presentar el disco?

Café Vinilo es el lugar perfecto para presentar este disco. No solo porque el lugar es muy lindo y tiene un buen sonido sino que todo fluye de una manera excelente desde que empezamos a organizar la fecha, y eso, aunque no sea vea es un factor importantísimo.

 ¿A qué se debe que hoy se acepta más la fusión de estilos cuando antes era todo más cerrado y sectario?

Podríamos hablar días enteros sobre este tema, pero creo que la tecnología de la cual hablábamos antes ayuda a que más gente escuche cosas diferentes. La vida sería demasiado aburrida sin la experimentación y la fusión.

 Creen que a través de una canción se puede generar consciencia o mostrar otra forma de vida

Una canción puede despertar algo en alguien, y eso tiene qué estar conectado con la curiosidad y la creatividad para que eso que se despertó evolucione.

Como decía antes, una canción es un mensaje, todo depende de que tan bien este expresado ese mensaje. 

                                                                               

OLVIDÉ SAN TELMO PRESENTA SU DISCO ¿ADONDE VAS A ESTAR? EL MARTES 30 DE JUNIO A LAS 21HS EN CAFÉ VINILO, GORRITI 3780. CAPITAL FEDERAL

TEATRO: SEMEN EN LOS OJITOS

REVELANDO SUEÑOS

Gonzalo Senestrari es dramaturgo y en la actualidad tiene en cartel la obra Semen en los ojitos, que trata sobre la adicción o el gusto por el sexo, el director dialogó con Baldosas Flojas sobre este espectáculo que sale a escena los jueves a las 22:30hs en el Teatro No Avestruz, Humboldt 1857.  

Desde chiquitos nos trae pudor o tabú hablar de sexo y lo que nos pasa con nuestros cuerpos y necesidades, más allá del humor o de las tecnologías siempre causa susceptibilidades. Ante esta realidad Gonzalo Senestrari pone en escena la obra Semen en los ojitos los jueves a las 22:30hs en el teatro No Avestruz, Humboltd 1857, en charla con Baldosas Flojas, el director nos contó cómo se acercó al teatro, los temas rígidos tocados con humor,  los prejuicios y lo que puede generar el teatro.

¿Cómo te acercaste al teatro?

 Por mi padre. No logro terminar de decidir si fue gracias a él, o culpa suya.

¿Qué obra te marco para elegir la dirección?

Ninguna. La dirección fue más un capricho de mi parte como dramaturgo. Principalmente porque descubro sobre qué trata realmente la obra durante en el proceso de ensayo. De hecho con “Semen en los ojitos” fue increíble cómo se nos iba revelando la obra a medida que avanzábamos el texto.

Crees que se nace o se puede estudiar la actuación

Creo que se nace, se estudia, se vive y muere actor, o actriz. Pero algunos tienen algo en la mirada. Como si pudieran cambiar completamente sus ojos cuando se suben a un escenario o escuchan la palabra “acción”. Esos son los que me generan curiosidad. Me pregunto hasta qué punto creen que son el personaje. Hasta qué punto lo viven.

¿En qué te inspiraste o surgió Semen en los ojitos?

 En un sueño. Y luego el mundo desde el texto o puesta está inspirado en libros, películas, música. En todas las imágenes y sonidos que recolecté en mi cabeza a través de los años.

¿El sexo sigue siendo un tema tabú en el país?

No tabú, pero hay cierta susceptibilidad por momentos con respecto al tema. Hay aspectos del mismo que son privados e íntimos, pero no es nada más que algo natural, llevado por el ser humano hasta un punto placentero y hasta lúdico. Pero creo que mientras no se lastime física o mentalmente al prójimo (al menos no sin su consentimiento) el sexo es un universo de libertades.

¿A través del humor se puede  tocar temas rígidos para la sociedad?

A través del humor se deben tocar temas rígidos, porque cuando la gente ríe baja la guardia, y es ahí cuando hay que pegarle un buen cachetazo de revés a la sociedad. De alguna manera hay que despertarla.

¿Hay un prejuicio por tener adicción al sexo?

 Hay un prejuicio con respecto a la mayoría de las cosas. No importa el tema, las personas prejuzgan. Es inevitable hacerlo. La solución está en decidir qué hacer con ese prejuicio. Si darse la oportunidad de cuestionarlo, o seguir en la comodidad de tenerlo.

¿Cómo fue la elección de los actores?

Con Martín Crespo y Nicolás Albamonte ya había trabajo en el pasado, y si volvimos a hacerlo es porque es realmente placentero y me hace crecer mucho como director trabajar con ellos. A Manuela Fernández Vivian la había visto en una película, y supe que quería e iba a dirigirla en algún momento de mi vida. Demián Bello tiene esa capacidad en la mirada que me genera curiosidad. Y Claudio Garófalo fue Waldo (el personaje que hace en la obra) desde el segundo que lo vi primera vez. Sabía que tenía dentro todo lo que el personaje necesitaba y aún más.

¿Se piensa en el público y la reacción del mismo en la obra?¿ Puede cambiar alguna escena de acuerdo a ellos? Una vez una persona me dijo que si no pensaba en el público era un estúpido. Y no es que no lo haga, pero primero escribo la obra para mí. Luego la dirijo para mí. Y finalmente la veo en algún ensayo, y soy feliz. Después los actores se encargan de mostrársela al resto del mundo.

Hay artistas que responden a pedido del público, o de movimientos o festivales, etc. Intento no juzgarlos, pero sí pienso que si en algún momento pienso dedicarle tanto tiempo y energía a un sin sentido como lo es por momentos el arte (o la vida en general) con el objetivo de satisfacer las necesidades del espectador o de un programador de festivales o de un crítico, espero darme cuenta antes de quedar completamente vacío. Porque no hay nada más triste en el mundo del arte, que un artista que ya no tiene un romance con su arte.

¿Crees que a través del teatro se puede generar consciencia?

 Se puede crear la ilusión de generar consciencia. Esa ilusión a veces es muy fugaz. A veces dura una semana. Pero hay personas más ilusas. Yo soy un iluso. Y a las personas ilusas nos pueden llegar a durar para siempre las ilusiones.

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